La calidad en una obra de artes plásticas

Evaluar la calidad de una obra de arte es complicado. Hay quien defiende que no todo lo visible puede describirse con palabras. Confieso que apoyo esta idea y por eso defiendo que la calidad de una obra de artes plásticas se percibe en cuanto la vemos.

Seamos sinceros: si se trata de pintura o escultura, lo que la obra muestra es lo que puede dar. Por muy apasionada que sea la explicación del vendedor, lo que vamos a comprar es la obra.

En mi opinión, y como dije en el artículo «Comprar arte con confianza», la calidad de una obra resulta del equilibrio entre la calidad del material y la calidad de la idea presentada. Aunque es una formulación sencilla, refleja bien la relación íntima que existe entre ambos puntos. A todos los efectos, el papel del artista es manipular el material para comunicar una idea.

Normalmente consideramos que el artista es el autor material de la obra de arte, lo cual no es necesariamente cierto. Sin embargo, para facilitar lo que quiero exponer, cuando digo «artista» entiéndase «el que la hace».

Aquí intentaré desarrollar un poco más este tema y, tras una breve referencia a la «calidad de la idea», hablaré de la «calidad del material» en la pintura, por ser el área en la que trabajo y en la que me siento más cómodo.

Parte I - La idea

Evaluar la «calidad de la idea» en una obra de arte es inevitablemente un ejercicio subjetivo y muy dependiente de la intención del observador. Por eso escribo solo algunas notas como motivo de debate.

• Podemos partir de la base de que el contexto en el que se encuentra la obra, o al que está destinada, es el punto de partida para definir el criterio de pertinencia. Pero no siempre es suficiente ni siempre es el criterio que más nos interesa.
• Quizá sea justo decir que una obra de arte servirá mejor a una idea cuanto más claro sea el problema que intenta resolver. Por ejemplo, si el interés es enriquecer un espacio informal y neutro donde el color dominante es el rojo, es posible que la mejor pintura para ese espacio sea un lienzo todo rojo. Si no tenemos motivo para introducir más elementos, ¿es justo preguntar por qué hacerlo? ¿Y por qué pagar por ello?
• Por suerte para los artistas, el color no es el único motivo para comprar una pintura. María de Médici, más tarde reina de Francia, lo sabía cuando encargó a Peter Paul Rubens la pintura «El desembarco en Marsella», exigiendo ser retratada con la elevación merecida.
• Algunas obras tienen un carácter experimental o preparatorio, y eso no siempre las hace menos interesantes. Muchas veces es esa dimensión la que les da frescura y las hace atractivas. La acuarela «Mirando al este desde la Giudecca: amanecer», de W. Turner, expuesta en el British Museum de Londres, es un buen ejemplo.
• Otro problema, muy distinto de los ejemplos anteriores, es hacer obras para una exposición en un museo de arte contemporáneo. Si el artista se propone presentar un espectáculo sobre «la ética en el Imperio romano», presentar un «ejercicio escolar al estilo prerrafaelita» quizá no sea la mejor opción. Aunque haya tenido que estudiar 4 o 5 años para llenar una hoja A4, y por muy simbólico que sea el esfuerzo, el público vería solo una hoja A4 con un buen dibujo académico y no la reflexión sobre ética por la que pagó la entrada.

Parte II - El material

El otro punto a tener en cuenta para evaluar una obra de arte es la calidad del material con que se hizo. Este punto está lejos de ser sencillo y, aunque es más pragmático que el anterior, no es completamente objetivo, sobre todo en lo que respecta a las opciones de composición y a lo que caracteriza el estilo del artista.

Cualquier vendedor usa frases hechas como «esta obra se hizo con buenos materiales», «el artista es muy competente» y «está bien situado», pero eso ayuda poco a quien quiere comprar una obra con la confianza de estar haciendo una buena elección o quiere disfrutar de una observación más detallada. Creer en frases tan superficiales es tener medio camino hecho para pagar mucho por algo que durará poco.

Las características fisicoquímicas de los materiales se conocen con suficiente rigor como para tener en cuenta las previsiones de los fabricantes sobre su comportamiento a lo largo del tiempo. Por ejemplo, la ASTM (American Society for Testing and Materials) usa una tabla de 5 niveles para clasificar la resistencia a la luz de un pigmento usado en materiales artísticos; el nivel I indica que el color resiste más de 100 años en condiciones de museo, y el nivel V indica que el color presenta cambios significativos en solo dos años en condiciones museísticas.

Aunque la industria de la pintura está en constante evolución y se han descubierto nuevos pigmentos y puesto en duda conocimientos sobre los anteriores, podemos afirmar que la variable más imprevisible es la manipulación que el artista hace de los materiales. En la pintura, los materiales se manipulan directamente y, por muy cuidadoso que sea el artista, el grosor de la capa de pintura nunca podrá alcanzar el rigor de los robots que Ferrari usa para pintar coches.

Así, corresponde al artista seleccionar los materiales y los procesos que usa para producir las obras que desea y, en consecuencia, dar garantías sobre su trabajo. Hoy existen cientos de marcas de pinturas, soportes, pinceles y un largo etcétera. De pinturas con pigmento de oro para metal a óleos producidos con los métodos clásicos, las marcas ofrecen infinitas posibilidades. Si por un lado es más fácil para el artista responder a las necesidades del mercado, por otro es más difícil esquivar las explicaciones sobre fallos técnicos.

Si buscamos enriquecer un espacio con una obra que resista varias generaciones, tenemos que tener en cuenta los siguientes factores: la resistencia del soporte a las variaciones de humedad y temperatura del lugar, la resistencia de los pigmentos a la luz y la adherencia de la capa de pintura al soporte.

Hay consenso en que la pintura al óleo es la más estable y la que ofrece mayor longevidad a la pintura. A todos los efectos, lleva más de 600 años demostrándolo y es más versátil que sus competidores, como el fresco o el mosaico. En el artículo «La calidad de los materiales en una pintura al óleo» desarrollo un poco más este tema, mencionando algunos materiales y marcas de referencia. También doy algunos consejos sobre cómo identificar el material usado en una pintura concreta. Para leer más haga clic aquí.

Esto no significa que se deba pintar con este médium en cualquier situación. Al contrario, como dije, ahora podemos responder a todas o casi todas las necesidades, incluidas aquellas para las que la pintura al óleo no está indicada, como personalizar un coche o un tatuaje (espero sinceramente que nadie lo haga con pinturas a base de aceite de linaza, ni en un caso ni en el otro).

Una de las ventajas de visitar el taller de un pintor es poder ver de primera mano el tipo de materiales que usa y los experimentos que lleva a cabo. Incluso con un conocimiento básico sobre pinturas y soportes, enseguida sabrá cuál es la calidad y si una obra responde o no a sus objetivos.